APPEL A COMMUNICATION ACEMuP #7

COLLOQUE ÉTUDIANT SUR LES MUSIQUES POPULAIRES

26 MAI 2023

Bonjour,

L’Association pour un Colloque Étudiant sur les Musiques Populaires (ACEMuP) a le plaisir de vous informer de l’organisation de la septième édition de son colloque annuel.

Cette année, le colloque se tiendra le vendredi 26 mai 2023 à Paris (le lieu exact vous sera communiqué lors de la diffusion du programme définitif du colloque).

L’appel à communication ci-joint s’adresse aux étudiant.e.s en Master 1 et 2, ainsi qu’aux doctorant.e.s en première année de thèse, dont les recherches portent sur les musiques populaires. Pluridisciplinaire, le colloque accueillera des travaux issus des sciences humaines et sociales, de l’esthétique, de la musicologie ou encore des sciences de l’acoustique, s’articulant autour de quatre axes thématiques : « musiques, scènes et territoires », « musiques et innovations technologiques », « les musiques autrement : genre, classe, race » et « travailler les musiques, travailler dans la musique ».

Les propositions de communication sont à envoyer avant le 31 mars 2023 inclus à l’adresse colloque.acemup@gmail.com.

Celles-ci comporteront :

– une présentation de la question de recherche et du cadre théorique ;

– une présentation de la méthodologie et des données employées ;

– une présentation des principaux résultats ou hypothèses ;

– une courte bibliographie.

Merci de préciser, dans l’en-tête du document, les informations suivantes :

– nom de l’auteur·e ;

– statut et formation actuellement suivie ;

– adresse électronique ;

– axe dans lequel s’inscrit la communication ;

– titre de la communication.

Cette proposition sert de base à une présentation orale d’une durée de 15 minutes suivie d’un temps d’échange de 15 minutes.

Les propositions reçues seront anonymisées et distribuées à deux relecteur·trice·s du comité scientifique, composé de doctorant·e·s et jeunes docteur·e·s, en charge de sélectionner les propositions à partir d’une grille commune.

Les réponses seront données le 16 avril 2023. Les étudiant.e.s dont les propositions auront été retenues seront contacté.e.s.

Le programme final du colloque vous sera ainsi communiqué à la fin du mois d’avril.

En attendant de vous retrouver lors de cette prochaine édition,

Cordialement,

L’équipe ACEMuP

ACEMuP #7 – Colloque étudiant sur les musiques populaires

26 MAI 2023

APPEL A COMMUNICATION

Depuis les premières tentatives, dans le dernier tiers du XXe siècle, pour faire des
musiques populaires un champ d’études à part entière (Levaux, 2021), les Popular Music
Studies se sont solidement installées dans le paysage académique français et international
(Tagg, 2015) et conservent une actualité forte (Guibert et Heuguet, 2022). Ce colloque s’inscrit
pleinement dans ce champ qui rassemble aujourd’hui des chercheur·e·s, des revues (Popular
Music and Society, IASPM Journal, Popular Music, Volume!, etc.) et des acteurs institutionnels
(IASPM, ISMMS, etc.). En s’inscrivant dans les multiples approches disciplinaires et
épistémologiques qui composent les Popular Music Studies, et afin d’éviter de tomber dans
l’opposition traditionnelle aux musiques dites savantes, le terme « populaire » est ici
appréhendé dans la diversité des représentations sociales qu’il véhicule. Cette acception
volontairement large recouvre le terme anglo-saxon de « popular » (grand public) et peut
qualifier des formes musicales produites à l’écart des principaux circuits commerciaux, des
musiques massivement consommées, ou encore désigner des pratiques qui se développent
à différentes échelles, du local au global (Martin, 2006 ; Julien, 2010), pour ne citer que ces
exemples. De cette hétérogénéité résulte une variété de prismes d’analyse, témoignant de
l’évolution constante de ce champ d’études : à la critique des représentations médiatiques
(Peterson, 1997) se sont ajoutés des travaux traitant de la production et de la réception comme
un continuum (Pecqueux et Roueff, 2009), tout en faisant de la dimension acoustique et sonore
de la musique une focale d’analyse essentielle (Stern, 2015).

Dans le cadre de l’Association pour un Colloque Étudiant sur les Musiques Populaires
(ACEMuP), nous souhaitons encourager les propositions issues aussi de multiples disciplines
et domaines d’étude des sciences humaines et sociales : anthropologie, économie, gestion,
géographie, histoire, sciences de l’information et de la communication, sociologie,
ethnomusicologie, esthétique, musicologie et sciences de l’acoustique. L’objectif est de
permettre aux étudiant·e·s de présenter leur travail de recherche dans un cadre d’échange
composé de pairs et de chercheur·euse·s expérimenté·e·s. La septième édition du colloque,
organisée sous la forme d’une journée d’étude thématique, s’articulera autour de quatre axes principaux, non-exhaustifs et non-exclusifs, qui peuvent servir de cadrage pour des
propositions générales et transversales.

• Axe 1 « Musiques, scènes et territoires » – En partenariat avec l’ANR SCAENA

Dans cet axe, nous souhaitons mettre en avant les approches qui mobilisent la notion
de scène (Guibert et Bellavance, 2014 ; Bennett et Peterson, 2004 ; Straw, 1991 ; 2014). Si
de nombreux travaux analysent l’articulation entre activités musicales et enjeux territoriaux, la
notion de scène doit être comprise au-delà de son sens spatial. La scène renvoie à des
réseaux stylistiques (Turbé, 2014), des ambiances urbaines (Silver et Clark, 2014), des
clusters (Florida, 2015), mais peut également se référer à des représentations médiatiques
(Guibert, 2012), des marquages culturels ou encore des processus de construction identitaire
(Stokes, 2004). Cet axe a ainsi pour objectif de discuter la notion de scène dans ses différents
aspects et usages, en s’interrogeant sur les frontières (Stendebach, 2021) ainsi que les
différents jeux d’échelles compris dans cette notion au niveau territorial (quartier, ville, région,
etc.). Une attention particulière sera accordée aux travaux portant sur les encastrements
territoriaux des activités musicales (production, diffusion, réception). Enfin, parce que les
pratiques musicales peuvent fortement marquer des territoires et la mémoire des lieux, les
phénomènes de patrimonialisation et de mise en tourisme des scènes musicales peuvent
également être étudiés (Cohen, 2007 ; Baker, 2019).

• Axe 2 « Musiques et innovations technologiques »

Cet axe propose de regarder dans quelle mesure les innovations technologiques
modifient les différentes étapes de la production à l’expérience sensible de l’écoute musicale
(Le Guern, 2020), et amènent des changements de pratiques, tant du point de vue des
auditeurs (Perticoz, 2009 ; Beuscart et al., 2019), des artistes (Théberge, 1997; Ribac, 2008),
des industries musicales (Wikström, 2013 ; Hesmondhalgh et Meier, 2017), que des acteurs
médiatiques (Heuguet, 2018). Un des enjeux porte sur la pérennisation de « nouvelles »
technologies, par exemple d’instruments (Pinch et Trocco, 2002 ; Harkins, 2019) ou de
dispositifs d’écoute (Maisonneuve, 2009 ; Sterne, 2012 ; Morris, 2015). Les analyses
proposées peuvent, dès lors, porter sur les usages permis par ces technologies, mais
également sur les pratiques « low tech » et « lo-fi » les bidouillages ou encore le hacking (Nova
et Ribac, 2019 ; Benhaïm, 2019). Une attention particulière sera accordée aux propositions
portant sur les innovations technologiques dans la musique « live », qui demeure un objet peu
étudié (Guibert, 2020), à l’instar des concerts en livestreaming (Guibert, 2023) ou des concerts
holographiques (Arnold, 2015 ; Guesdon et Le Guern, 2016).

• Axe 3 « Travailler les musiques, travailler dans la musique »

Cet axe vise à interroger la musique comprise comme une diversité de milieux
socioprofessionnels en constante mutation. Plus précisément, l’enjeu est de discuter ou de
prolonger certaines connaissances ou approches classiques du travail de la musique ou du
travail dans la musique (Hennion, 1981), qu’il s’agisse de concevoir la musique comme un
« monde de l’art » (Becker, 1982) ou une « industrie culturelle » (Morin, 1961), pour ne citer
que ces exemples. Une attention particulière sera accordée aux contributions qui discutent
des mutations contemporaines de ces univers socioprofessionnels, à l’instar des
transformations de l’intermédiation musicale (Beuscart, 2007) avec l’arrivée des plateformes
de streaming (Anderson, 2013 ; Eriksson et al., 2019) et des débats autour de la rémunération
des artistes générée par le streaming (Marshall, 2015 ; Schweitzer, 2019). Les pratiques
amateurs (Nowak, 2016) et l’apprentissage du métier (Hatzipetrou-Andronikou et
Papastavrou, 2021) peuvent également faire l’objet de contributions, de même que celles
proposant un regard centré sur certains sous-réseaux et professions en marge. Enfin, cet axe
encourage les propositions portant sur les conditions de travail, qu’il s’agisse de mettre en
lumière les enjeux de santé mentale (Güsewell et al., 2021) ou les récentes controverses
comme #MusicToo.

• Axe 4 « Les musiques autrement : genre, classe, race »

Dans un cadre relevant des Cultural Studies, cet axe propose d’une part d’interroger
les inégalités de répartition, de traitement et de reconnaissance (Fraser, 2011) liées à la race,
le genre et la classe dans les musiques populaires. Les inégalités peuvent être abordées à
partir des activités de production (Hesmondhalgh et Saha, 2013), entre division et valorisation
structurelles (économique, juridique, institutionnelle, etc.) et symboliques (McRobbie, 1999).
D’autre part, les notions de genre, race et classe apparaissent comme des outils originaux (De
Lauretis, 2007) afin d’élargir des questionnements relatifs aux genres musicaux (Hill, 2016)
ainsi qu’à l’inscription culturelle, territoriale et générationnelle des pratiques musicales
(Marcadet, 2011 ; Garrabé, 2011). À ce titre, les problématiques telles que l’identité,
l’hégémonie (Hall, 2007) ou encore le prestige (Hughes, 1996) peuvent faire l’objet de
contributions. Les inégalités sociales comme les différences culturelles peuvent être
appréhendées à partir d’analyses musicologiques (Walser, 1993 ; McClary, 2015), discursives
(Foucault, 1971) ou iconographiques des œuvres musicales. Enfin, les enjeux de réception
genrée/racialisée peuvent également être envisagés à travers les concepts de goût (Hennion
et Teil, 2003 ; Glevarec et Pinet, 2009) ou de pratiques différenciées (McRobbie, 1975 ; Turbé,
2017).

Conditions de participation

Les propositions de communication (5000 signes maximum, hors bibliographie, espaces
compris) devront contenir les éléments suivants :
– une présentation de la question de recherche et du cadre théorique ;
– une présentation de la méthodologie et des données employées ;
– une présentation des principaux résultats ou hypothèses ;
– une courte bibliographie.

Merci de préciser, dans l’en-tête du document, les informations suivantes :
– nom de l’auteur·e ;
– statut et formation actuellement suivis ;
– adresse électronique ;
– axe dans lequel s’inscrit la communication ;
– titre de la communication.

Cette proposition, soumise à la sélection du comité scientifique, sert de base à une
présentation orale d’une durée de 15 minutes suivie d’un temps d’échange de 15 minutes.

• Date limite pour l’envoi des propositions de communication : 31 mars 2023 inclus
• Date de réponse du comité : 16 avril 2023
• Date et lieu : 26 mai 2023

Seront retenues en priorité les propositions s’inscrivant dans les thèmes susmentionnés et
proposées par des étudiant·e·s pouvant justifier d’un travail aboutissant à un écrit de type
mémoire ou thèse (M1, M2, D1). Nous tenons par ailleurs à mettre en avant le fait que cet
appel s’adresse également à des étudiant·e·s de Master Professionnel qui feraient preuve
d’une démarche réflexive et d’un intérêt pour la recherche sur les musiques populaires.

Les propositions reçues seront anonymisées et distribuées à deux relecteur·trice·s du comité
scientifique, composé de doctorant·e·s et jeunes docteur·e·s, en charge de sélectionner les
propositions à partir d’une grille commune.

Contact

Les propositions de communication sont à adresser par mail à : colloque.acemup@gmail.com

Comité d’organisation

Ida BARAT (M2 en Sciences de l’éducation, Université Paris 8)
Paco GARCIA (Doctorant en Sciences de l’information et de la communication, 4 ème année,
Université Paris-Nord)
Noé LATREILLE DE FOZIERES (Doctorant en Sociologie, 2 ème année, EHESS)
Carlos BALBINO (Doctorant en Ethnomusicologie, 2 ème année, Université NOVA de Lisboa,
Sorbonne Université)

Comité de parrainage

Ce colloque bénéficie du soutien d’un comité de parrainage constitué de chercheur·euse·s
spécialistes des musiques populaires :

Gérôme GUIBERT (Professeur des universités en Sociologie, Université Paris 3 Sorbonne
Nouvelle)
Cécile PREVOST-THOMAS (Maîtresse de conférences HDR en Sociologie et Musicologie,
Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle)
Jérôme CLER (Maître de conférences HDR en Ethnomusicologie, Sorbonne Université)
Marlène BELLY (Maîtresse de conférences en Ethnomusicologue, Université de Poitiers)
Séverin GUILLARD (Maître de conférences en Géographie, Université de Picardie)
Anna CUOMO (Docteure en Anthropologue, Université d’Evry – Paris Saclay)
Rémi BOIVIN (Docteur en Ethnomusicologie, EHESS)
Marc KAISER (Maître de conférences en Sciences de l’information et de la communication,
Université Paris 8)
Emmanuelle OLIVIER (Chargée de recherche en Ethnomusicologie, EHESS)
Philippe LE GUERN (Professeur des universités en Sciences de l’information et de la
communication, Université Rennes 2)

Bibliographie

Anderson T. 2013. Popular Music in a Digital Music Economy: Problems and Practices for an
Emerging Service Industry. Routledge.

Arnold R. 2015. « There’s a Spectre Haunting Hip-hop: Tupac Shakur, Holograms in Concert
and the Future of Live Performance », in Lebrun B. et Strong C. (dir.). Death and the Rock
Star. Farnham/Burlington. Ashgate. pp. 177-189.

Baker A. 2019. The Great Music City : Exploring Music, Space and Identity. Palgrave
Macmillan.

Benhaïm S. 2019. « DIY et hacking dans la musique noise. Une expérimentation bricoleuse
du dispositif de jeu ». Volume !, 16 : 1. pp. 17-35.

Bennett A. et Peterson R. 2004. Music Scenes : Local, Translocal and Virtual. Vanderbilt
University Press.

Beuscart J.-S. 2007. « Les transformations de l’intermédiation musicale ». Réseaux, 141-142
: 2, pp. 143-76.

Beuscart J.-S., Coavoux C. et Maillard S., 2019. « Les algorithmes de recommandation
musicale et l’autonomie de l’auditeur ». Réseaux, 213. 1. pp. 17-47.

Cohen S. 2007. Decline, Renewal and the City in Popular Music Culture: Beyond the Beatles.
Routledge.

De Lauretis T. 2007. Théories Queer et Cultures Populaires. La Dispute.

Eriksson M., Fleischer R., Johansson A., Snickars P. et Vonderau P. 2019. Spotify Teardown:
Inside the Black Box of Streaming Music. MIT Press.

Florida R., Mellander C. et Stolarick K. 2010. « Music Scenes to Music Clusters : The Economic
Geography of Music in the US, 1970–2000 ». Environment and Planning A: Economy and
Space, 42 : 4, pp. 785-804.

Foucault M. 1971. L’Ordre du Discours. Editions de Minuit.

Fraser N. 2011 (2005). Qu’est-ce que la justice sociale ? La Découverte.

Garrabé L. 2011. « Negra ou popular ? Esthétique et musicalités des maracatus de
Pernambuco ». Volume!. 8 : 1. pp. 105-129.

Glevarec H. et Pinet M. 2009. « La « tablature » des goûts musicaux : un modèle de
structuration des préférences et des jugements ». Revue Française de Sociologie, 3 : 50,
pp. 559-640.

Guesdon M. et Le Guern P., 2016. « Une voix sans corps pour des corps sans voix. À propos
des hologrammes en général et d’Hatsune Miku en particulier ». in Le Guern P. (dir.), Où
va la musique ? Numérimorphose et nouvelles expériences d’écoute. Paris. Presses des
mines. pp. 213-229.

Guibert G. 2000. « Industrie musicale et musiques amplifiées ». Chimères. 40. pp. 1-14.
— 2012. « La notion de scène locale. Pour une approche renouvelée de l’analyse des courants
musicaux », in Dorin S. (dir.). Sound Factory. Musique et Industrie. Seteun. pp. 93-124.Guibert G. et Bellavance G. 2014. « Présentation ». Cahiers de recherche sociologique. 57.
pp. 5-15.

Guibert G. et Heuguet G. (dir.), 2022. Penser les musiques populaires. Éditions de la
Philharmonie.

Güsewell A., Bovet E., Bangerter G., Stantzos A., Bornand C. et Thomas M. 2021. Musique et
santé mentale : orchestrer la rencontre, Champ Social Editions.

Hall S. 2008 (2007). Identités et Culture : Politique des Cultural Studies. Editions Amsterdam.

Harkins P. 2019. Digital Sampling : The Design and Use of Music Technologies. Routledge.

Hatzipetrou-Andronikou R. et Papastavrou D. 2021. « Des instrumentistes sur le devant de la
scène. Apprentissage du métier et modalités de travail dans deux scènes de renouveau
musical en Grèce », Volume !, 18 : 1. pp. 39-51.

Hennion A. 1981. Les professionnels du disque. Une sociologie des variétés. A.-M. Métailié.

Hennion A. et Teil G. 2003. « Les protocoles du goût. Une sociologie positive des grands
amateurs de musique, dans Donnat O. Regards croisés sur les pratiques culturelles. La
Documentation française. pp. 63-82.

Hesmondhalgh D. et Saha A. 2013. « Race, Ethnicity and Cultural Production ». Popular
Communication. 1: 3. pp. 179-195

Hesmondhalgh D. et Meier L. M. 2017. « What the Digitalisation of Music Tells us About
Capitalism, Culture and the Power of the Information Technology Sector ». Information,
Communication & Society. 1 : 16. pp. 1555-1570.

Hill R.-L. 2016. « Masculine pleasure ? Women’s encounters with hard rock and metal music
», in Brown A.-R. et al. 2016. Global metal music and culture. Routledge. pp. 277-293

Heuguet G. 2018. « Métamorphoses de la musique et capitalisme médiatique. Au prisme de
YouTube (2005-2018) ». Thèse de doctorat, Sorbonne Université.

Hughes E-C. 1996 (1971). Le regard sociologique. Essais choisis. Editions de l’École des
Hautes Études en Sciences Sociales.

Julien O. 2010. « “Musiques populaires” : de l’exception culturelle à l’anglicisme ». Musurgia.
17 : 1. pp. 49-62.

Le Guern P. 2020. « L’expérience de la musique en régime numérique : continuité ou
disruption ? ». tic&société. 14 : 1-2.

Levaux C. 2021. « Vers une étude citoyenne des musiques populaires ? ». Volume!. 18 : 2.
pp. 85-97.

Marcadet C. 2011. « Le samba : un genre populaire chanté emblématique ni afro-descendant
ni occidentalisé, mais spécifiquement brésilien ». Volume!. 8 : 1. pp. 69-103.

Marshall L. 2015. « ‘Let’s keep music special. F—Spotify’: on-demand streaming and the
controversy over artist royalties ». Creative Industries Journal. 8 : 2. pp. 177-189.

Martin D.-C. 2006. « Le myosotis, et puis la rose … Pour une sociologie des musiques de
masse ». L’Homme. 1-2 : 177-178. pp. 131-154.
— 2012. « ” Auprès de ma blonde…” : Musique et identité ». Revue française de science
politique. 62 : 1, pp. 21-43.McClary S. 2015. Ouverture féministe : musique, genre et sexualité. Philarmonie de Paris.

McRobbie A. 1975. « Filles et Subculture ». in Glevarec H., Macé E. et Maigret E. 2008.
Cultural Studies : Anthologie. Armand Colin.
— 1999. In the Culture Society : Art, Fashion and Popular Music. Routledge.
Morris J. W. 2015. Selling Digital Music, Formatting Culture. University of California Press.
Nova N. et François R. 2019. « Musi[ha]cking : Ce que la musique fait au hacking (et
inversement) ». Volume !. 16 : 1. pp. 115-126.

Novak R. 2016. Consuming Music in the Digital Age : Technologies, Roles and Everyday Life.
Springer.

Pecqueux A. et Roueff O. (dir.). 2009. Écologie sociale de l’oreille : enquêtes sur l’expérience
musicale. École des Hautes Études en Sciences Sociales.

Perticoz L. 2009. « Les processus techniques et les mutations de l’industrie musicale :
l’auditeur au quotidien, une dynamique de changement ». Thèse de doctorat en Sciences
de l’information et de la communication. Université Stendhal.

Peterson R. 1997. Creating Country Music. Fabricating Authenticity. The University of Chicago
Press.

Pinch T. J. et Trocco F. 2002. Analog Days. The Invention and Impact of the Moog Synthetizer.
Harvard University Press.

Ribac F. 2008. « Feedback! : pour une généalogie des musiques populaires ». Thèse de
doctorat. Université de Metz.

Schweitzer P. 2019. « L’analyse économique de l’industrie de la musique et les conséquences
du numérique sur la création et le transfert de valeur ». in Droit, musique et numérique –
Considérations croisées. Presses Universitaires d’Aix-Marseille.

Silver D., Clark T. N. et Laporte M.-N. 2014. « La puissance des scènes : Quantité d’aménités
et qualité des lieux ». Cahiers de recherche sociologique. 57. pp. 33-60.

Stendebach S. 2021. « On the borders of ska: L@s Skagaler@s reappropriate ska music
tropes for women’s reproductive rights in the South Texas music scene ». Popular Music
History.

Sterne J. 2012. MP3: The meaning of a format. Duke University Press.

Stokes M. 2004. « Musique, identité et “ville-monde”. Perspectives critiques ». L’Homme. 171-
172. pp. 371-388.

Straw W. 1991. « Systems of articulation, logics of change : Communities and scenes in
popular music ». Cultural Studies. 5 : 3. pp. 368-388.
— 2014. « Scènes : ouvertes et restreintes ». Cahiers de recherche sociologique. 57. pp. 17-
32.

Tagg P. 2015. « The Urgent Reform of Music Theory ». tagg.org.

Théberge P. 1997. Any Sound You Can Imagine : Making Music/Consuming Technology.
Wesleyan University Press.

Wikström P. 2013. The Music Industry: Music in the cloud. Polity.Turbé. S. 2014. « Observer les déplacements dans la construction des scènes locales : Le cas
de la musique metal en France ». Cahiers de recherche sociologique. 57. pp. 97-113.
— 2017. « Mesurer les degrés d’engagement dans les mondes musicaux : du public au non-
public de musique metal », Revue Interrogations, 24.

Walser R. 1993. Running with the Devil: Power, Gender and Madness in Heavy Metal Music.
Wesleyan University Press;

---

---